莫兰迪一生的创作题材都是在画着几只瓶子和波罗纳郊外的风景。
他说：“那种由看得见的世界，也就是形体的世界所唤起的感觉和图像，是很难，甚至根本无法用定义和词汇来描述。事实上，它与日常生活中所感受的完全不一样，因为那个视觉所及的世界是由形体、颜色、空间和光线所决定的……我相信，没有任何东西比我们所看到的世界更抽象，更真实。”
莫兰迪终身未娶，专职画画，和他的三个（终身未嫁的）姐姐一起生活，一生只画三样东西：瓶子，鲜花，和家乡风景，即使是最远的远门也只去过苏黎世（观看塞尚的画展）
他天然选择成为了一个避世的隐者，一个简朴的画匠，这也为他“苦行僧”的人设做了很好的诠释。
欣赏莫兰迪的画是一种很奇妙的体验，它具有一种魔力，就是把日常生活的平凡上升到了遗世独立的层面。
他赋予一个水瓶一整个画面，一整个舞台、灯光，一个巨大的关注，并且用一生都在践行，这几乎成为了一种行为艺术。
你观看他的画作，很容易就陷入一种入定，一种疗愈的片刻，一种适合冥想的沉静空间
这种空间独立于现实生活，又绝非完全臆想，它源于生活，又经过美化，和所谓“2.5次元”有异曲同工之妙。
我们可以透过莫兰迪的话来理解他的画作，或者通过他画作本身来理解。
他的画作拥有治愈的能量，首先是来自于他低饱和度，并且明度相近的颜色。
这些只在色相上具有区别的一批颜色，比起强烈明暗光影对比的热闹场面，更容易安抚，舒缓人们的情绪，仿佛进入一种睡前的朦胧状态，感官麻痹，逐渐远离，而意识还有一丝未曾离开，模模糊糊的透过迷雾看着世界。
在透视法和造型早已不是秘密的十九世纪，我们早已经见过太多功力深厚的写实静物。
在专业的水平上也完全不用质疑莫兰迪的造型水平。
可是你凑近看莫兰迪的画作，可以发现他有意虚化的边缘，和平面化处理的明暗关系。
那些并不肯定的波浪线，仿佛带有着一种强烈的不安全，和对现实的不确定性。
它是迷茫的，意识的，虚弱的，仿佛伴随着一股轻微缥缈的叹息，它是对意识的反应和具象。
莫兰迪运笔的手法，一层一层耐心的上色直到完全看不出笔触痕迹，每一处运笔带着相似频率呼吸的力度，好像外科手术般冷静，又像计量单位般精确。
在这样的想象中，塑造出来完全平稳的画面，一种自信的掌控，一种冷静的控制，一种寂寞的重复，一种禅定的安静。
他终身未娶，有人说艺术是他的妻子，情人，和爱人，可是我想说他的画作，是对这个世界最含蓄的告白。
莫兰迪色最大的特点就是在色彩中加入灰调和白调，让色彩看起来更淡雅，平和雅致，不争不持。
有一种特别温柔、恬淡的复古感，冷静沉敛又文艺。
乔治·莫兰迪（Giorgio Morandi），生于意大利波洛尼亚，是意大利著名的版画家、油画家。青年时考入波伦亚艺术学院，之后长期在这所学院担任美术教师。
莫兰迪的性格谦逊、礼貌、温和，正如同的他的画作一样，没有任何攻击力。
他之所以被称为僧侣画家的原因除了他的清心寡欲的个人生活作风之外，更重要的是，他的绘画题材一直都是几只瓶子和故乡波罗纳郊外的风景。
他花了一辈子的时间研究这些瓶子和周围生活的景色，单就创作的油画就有1264张，而这还不包括素描、水彩和版画等其他形式。
当人们问及他的创作情况时，莫兰迪说那种由看得见的世界，也就是形体的世界所唤起的感觉和图像，是很难，甚至根本无法用定义和词汇来描述。
事实上，它与日常生活中所感受的完全不一样，因为那个视觉所及的世界是由形体、颜色、空间和光线所决定的
从这句话中，很明显可以理解到莫兰迪的创作理念，艺术家需要真实地表现眼前所见的事物，意味着他不仅需要花足够的时间来研究那些表面看得到的东西，更要去探索那些它所需要寻找的。
和许多其他现代主义风格画家一样，莫兰迪的绘画风格也深受塞尚的影响，在其早期的风格中，他尝试着使用“未来主义”和“形而上”画派去表达。
在这段尝试时期间，他迷上了静物画。莫兰迪的画作中，我们可以发现，他在后期的绘画中非常细致的运用了色彩所带来的视觉变化。
他吸收到了扁平化画作的绘画手法。在后期反复的对几个瓶子的绘画练习中，他似乎寻找到了他所说的“看得见的世界所唤起的感受和图像”。
